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L'ubriachezza generale dei russi è un mito. Tuttavia, in Rus' è sempre esistita una certa percentuale di persone che abusano di bevande inebrianti. Ed è proprio il modo in cui i russi si comportavano con gli ubriachi a confermare che l'ubriachezza era una vergogna.

Storia dell'ubriachezza nella Rus'

Si ritiene che nei periodi precristiano e paleocristiano nella Rus' bevessero moderatamente, poiché la maggior parte delle persone non aveva accesso a bevande forti. Il vino veniva portato dall'estero; era troppo costoso e accessibile solo alla nobiltà e all'alto clero. E anche loro non si bevevano fino alla morte, poiché, secondo l'usanza greca, era consuetudine diluire il vino con l'acqua.

La gente comune consumava kvas, miele, birra, purè e solo in occasioni speciali. L’ambasciatore austriaco Sigismund Herberstein testimonia: “Gli uomini illustri o ricchi onorano le feste con banchetti e ubriachezze alla fine del servizio, e la gente comune per la maggior parte lavora, dicendo che celebrare è affare del padrone”.

Nel frattempo, Pryzhkov, nel libro “Storia delle taverne in Russia” una descrizione delle feste organizzate nel 1148 dal principe di Novgorod Izyaslav e nel 1152 dal principe di Kiev Vyacheslav, menziona: “Ogni attività mondana iniziava certamente con una festa o una bevuta festa, e quindi nella vita sociale del popolo le bevande avevano un enorme significato culturale."

A cosa ha portato questo? Nel 1377, vicino al fiume con il nome "parlante" Piana, l'esercito del principe Ivan di Suzdal, parente di Dmitry Donskoy, cadde in battaglia con i tartari. I guerrieri si trasformarono in facili prede per i nemici, perché invece di prepararsi alla battaglia si abbandonavano al “divertimento e alla baldoria”. La stessa cosa accadde durante la battaglia di Suzdal. La squadra del principe di Mosca Vasily II, che perse la vigilanza dopo aver bevuto, fu sconfitta e il principe stesso fu catturato.

A proposito, anche allora esisteva un rimedio chiamato "sbornia". Era uno stufato grasso e speziato con molti sottaceti e sapeva di zuppa di sottaceti.

Tuttavia, l’ubriachezza non era comune. Le persone che soffrivano di questo vizio erano soggette a pubblica condanna.

Era pre-petrina

Nel 1474, sotto Ivan III, si tentò per la prima volta di stabilire almeno un certo ordine nella sfera dell'alcol. Lo zar proibì la produzione gratuita di miele e birra, nonché il consumo di bevande inebrianti nei giorni diversi dai festivi.

Vasily III, a sua volta, costruì un insediamento a Mosca chiamato Naleiki. Lì potevi concederti bevande inebrianti quando e quanto volevi, ma questo valeva solo per gli stranieri. I russi non erano ammessi lì.

Nel 1552, per ordine di Ivan il Terribile, fu aperta nella capitale la prima “taverna dello zar”, dove veniva servito il “vino verde”. La gente comune poteva acquistarlo solo nelle taverne in modo che i fondi andassero al tesoro, mentre all'aristocrazia e ai soci del re era consentito produrre e consumare alcolici a casa. A proposito, alle guardie dello zar veniva servita la vodka nelle taverne, mentre tutti gli altri dovevano accontentarsi del vino.

Allo stesso tempo, per essersi mostrati ubriachi in luoghi pubblici, gli ubriachi (in Rus' erano chiamati “pitukh”) venivano imprigionati nella cosiddetta prigione “brazhnaya”. Sono stati tenuti lì finché non sono tornati sobri. Se una persona veniva detenuta per ubriachezza una seconda volta, veniva picchiata con i batog. La terza volta mi hanno picchiato con una frusta e mi hanno condannato al carcere.

Se il trasgressore fosse stato arrestato per ubriachezza più di una volta, avrebbe potuto essere messo in un barile di alcol. Il suo contenuto era costituito da prodotti di fermentazione e distillazione ed era così forte che lo sfortunato fu letteralmente marinato vivo. A volte la carne veniva separata dalle ossa e la persona moriva di una morte terribile.

Il patriarca Nikon introdusse il divieto di alcol nei monasteri; se qualcuno avesse violato questo tabù, avrebbe potuto essere privato del clero ed esiliato da qualche parte in un monastero remoto, e nelle chiese iniziarono a leggere sermoni contro l'ubriachezza.

Se una persona moriva per ubriachezza, veniva sepolta fuori dal cimitero, di solito all'incrocio, come monito per gli altri.

Durante il regno dello zar Alexei Mikhailovich Quiet, gli stabilimenti per bere furono spostati fuori dai confini della città e il loro numero diminuì. Allo stesso tempo, l'alcol cominciò a costare tre volte di più e a una persona fu vietato bere più di un bicchiere (circa 150 grammi). Se qualcuno veniva sorpreso nella produzione e vendita clandestina di bevande alcoliche, rischiava la reclusione e la confisca dei beni. Era inoltre vietata la vendita di alcolici nei giorni di digiuno, nelle festività religiose e in alcuni giorni della settimana.

Sotto Pietro I, la politica nei confronti dell'ubriachezza era duplice. Da un lato, il re organizzava regolarmente “assemblee” in cui l’alcol veniva servito in quantità abbastanza decenti. D'altra parte, i soggetti che abusavano di bevande alcoliche venivano sottoposti a una punizione piuttosto severa sotto di lui: sul petto era appesa una medaglia "Per ubriachezza" del peso fino a 12 chilogrammi.

Come venivano “trattati” gli ubriachi

Negli erboristi medievali si trovano molte ricette per l'ubriachezza. Ad esempio, raccomandazioni per aggiungere all'alcol polvere di insetti schiacciati, muco di rospi e rane, letame di cavallo e persino vermi cadaveri.

Se i rappresentanti degli strati superiori della società venivano ancora trattati con indulgenza (ad esempio, durante le feste, a coloro che bevevano troppo alcol venivano assegnate persone speciali, che li portavano fuori per "ventilare" e alleviare lo stomaco), allora per i comuni contadini o artigiani , le libagioni potevano finire con lacrime - nella migliore delle ipotesi, "trattamenti" violenti e, nel peggiore dei casi - con frustate, prigione o addirittura con la morte.

18 febbraio 2013

L'opera d'arte di Perov, che trasmette un senso completo del dramma interiore della realtà, è "L'ultima taverna all'avamposto" (1868). Il dipinto raffigura una strada deserta e coperta di neve alla periferia di una città di provincia russa. Un cumulo di neve supera i cancelli dell'avamposto. Vicino all'orizzonte, preannunciando il maltempo, risplende il bagliore giallo limone del tramonto, suscitando un sentimento di ansia, aggravando l'umore di malinconia diffuso in tutto ciò che ci circonda.

Sul lato sinistro della strada c'è una taverna. Nel freddo crepuscolo invernale, le sue finestre ghiacciate e coperte di neve brillano di cremisi. Qui i contadini che tornano dalla città spendono i loro ultimi soldi bevendo. Alla porta della taverna ci sono due slitte del villaggio. Un vento irrequieto scompiglia le criniere e le code dei cavalli e scompiglia il pelo di un cane congelato. Nella slitta puoi vedere la figura di una ragazza congelata avvolta in una sciarpa: l'incarnazione vivente di un'attesa lunga, sottomessa e senza speranza. Sotto l'apparente immobilità e la grigia malinconia della realtà russa, Perov sentiva un tumulto interiore e un'ansia. Si incarna nel quadro nelle folate di vento che soffiano verso l'avamposto, nel percorso della strada, solcato dalle tracce dei corridori, che riconducono lo sguardo laggiù, oltre le porte della periferia, verso l'orizzonte fiammeggiante. L'oro dell'alba serale e il bagliore rosso delle finestre della taverna creano una sensazione di tensione interna nell'immagine. Il contenuto dell'immagine qui si rivela non tanto attraverso la trama, ma attraverso la colorazione emotiva di ciò che viene raffigurato.

"L'ultima taverna all'avamposto" sembra completare il primo periodo del lavoro di Perov. La sua ulteriore evoluzione mostra che alla fine degli anni ’60 si è verificato un profondo cambiamento nella visione del mondo dell’artista. La realtà post-riforma iniziò a dissipare le illusioni illuministiche di Perov. Vide che l'abolizione della servitù della gleba lasciava il popolo nella stessa situazione, se non più difficile.

Il ritratto raffigura la moglie di uno dei dignitari di spicco della città. Posa calma, rigorosa

Trattando l'antica leggenda con una certa ingenuità e franchezza, Jordanes la descrive come una scena

“L'Ultima Cena” è un bozzetto per un dipinto conservato alla Pinacoteca di Brera a Milano. Schizzi

"Paesaggio" di Jan Brueghel il Velluto, datato 1603, è uno dei

Il sentimento di consonanza tra la natura e la vita umana attrae nel dipinto “Madonna col Bambino”

Il paesaggio dà l'impressione di un reale ambiente spaziale in cui si svolge

Gli eroi della leggenda religiosa nel dipinto del maestro veneziano sono dotati di sangue purosangue terreno

La statua fu commissionata dal maestro duca Cosimo de' Medici nel 1545, e nove anni dopo lo fu

La “Decollazione di Giovanni Battista” di Sano di Pietro faceva parte di un polittico di grandi dimensioni

Ha guidato il corso generale dell'evoluzione dell'arte nell'Impero Romano

Inoltre, i discendenti dello scrittore erano categoricamente contrari alla creazione di un museo dedicato al suo personaggio immaginario e rifiutarono

Questa scoperta ha svolto un ruolo vitale nello studio della storia dell'antico Egitto. Su una pietra trovata

La collezione della Galleria Nazionale è considerata una delle migliori al mondo. È interessante che l'edificio

La sala è stata concepita come memoriale e dedicata alla memoria di Pietro I. Ciò si rifletteva direttamente

Una caratteristica distintiva di questo museo è che tra i suoi reperti non ci sono opere di scultura, grafica,

Quando ha iniziato a svolgere il compito che si era prefissato, Tretyakov aveva le idee chiare

L'armatura copriva quasi tutto il corpo del cavaliere con piastre fissate in modo mobile, l'elmo era completamente protetto

Le opere – “Pranzo sull’erba” (1863) e “Olympia” (1863) – una volta provocarono una tempesta di indignazione pubblica

Fiamme cremisi, l'oscurità impenetrabile degli inferi, figure fantastiche di brutti diavoli: tutto

Nonostante la presenza di una firma, non è chiaro chi fosse l'autore dello stendardo dell'Ermitage. Ce n'erano diversi

Questa storia intima e quotidiana, che non rivendica alcun significato filosofico o psicologico,

Il suo potente realismo, estraneo qui agli effetti esterni, ci cattura con un sentimento pieno di sentimento

Sebastiano giovane, imberbe, con folti capelli ricci, nudo, coperto solo ai fianchi, legato

Il temperamento esuberante del grande maestro fiammingo lo costrinse a maneggiare con molta libertà

La vera fama di “Venere allo specchio” iniziò con una mostra di pittura spagnola organizzata dalla Reale Accademia

Una varietà di forme e colori, ritmo vivace, un tono importante speciale e un effetto decorativo luminoso sono inerenti a ciascuno di questi dipinti,

Tuttavia, il Maestro delle mezze figure femminili ha sviluppato la propria individualità

Ha generalizzato le forme, ridotto il numero di dettagli e piccole cose nell'immagine e ha cercato la chiarezza della composizione. Nell'immagine

Figlio illegittimo di un funzionario in pensione che ricopriva l'incarico di amministratore della tenuta, trascorse la sua infanzia nel villaggio. Ha ricevuto il suo cognome per la sua capacità di scrivere in modo pulito e bello con una penna. Nel 1860 si laureò alla Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca. Fu il laureato più eccezionale e successivamente professore in questa scuola. Per il suo successo a scuola ha ricevuto una grande medaglia d'oro.

Perov è stato uno dei primi artisti che ha distrutto coraggiosamente tutte le barriere che separavano la pittura russa dalla vita reale dell'uomo comune, raffigurando fedelmente il villaggio impoverito post-riforma in Russia, la miserabile esistenza dei poveri urbani. Perov ha preso tutti i soggetti delle sue opere dalla vita, osservandola da tutti i lati. Dopo essersi diplomati al college, con il loro amico, l'artista Pryanishnikov, hanno vagato per la periferia di Mosca, osservando e riflettendo sui temi dei loro dipinti. Le opere di Perov sono di natura fortemente satirica e accusatoria.

In qualche modo loro (Perov e Pryanishnikov) vagarono a Mytishchi. E videro, all'ombra degli alberi, uno ieromonaco ben pasciuto, dalla faccia rossa, seduto al tavolo, sbuffando, bevendo il tè da un piattino; ai suoi piedi c'è una valigia, da cui sporge il collo di una bottiglia. Dietro di lui, il monaco servitore, in piedi, beve il tè vuoto; non osa sedersi alla presenza del “santo padre”. "Il Santo Padre ha già bevuto tutto il samovar e la ragazza ne aggiunge dell'altro. Così è nato il dipinto "Tea Party a Mytishchi".

Accanto al prete beato c'è un soldato mendicante storpio, che tende la mano per l'elemosina. Vediamo una medaglia appuntata sul suo soprabito: forse lo sfortunato soldato ha lasciato la gamba vicino a Sebastopoli? La cameriera allontana la mano, il prete guarda di traverso con ostilità e la piccola guida si alza, non osando allungare il berretto di suo padre per l'elemosina. Che nota amara di simpatia per i bambini risuona nel film! Non c'è insulto più amaro di quello di un bambino, ed è insopportabile vedere questa timida figura di ragazzo - affamato e scalzo - accanto a una golosità indifferente!

Probabilmente l'opera più notevole di Perov, molto in sintonia con la poesia di Nekrasov "Frost, Red Nose".

Per l’ultima volta Savraska porta il suo padrone al cimitero, pesantemente, trasporta lentamente la slitta con la bara del padrone su per la montagna. La bara è ricoperta di stuoia. A lui si aggrapparono due bambini, storditi dalla terribile perdita. Dopo aver abbassato le redini, curva, una vedova, una madre, si siede davanti alla slitta. Quanto dolore c'è nel suo capo chino, nelle sue mani, nella sua schiena curva! La sua anima è amara, pensieri cupi la pesano. Il suo capofamiglia e suo marito sono morti: come può vivere adesso, come può crescere i suoi figli!? Il destino dei bambini è desolante, proprio come nell’opera di Nekrasov:

"...Savraska è rimasta bloccata in mezzo a un cumulo di neve -
Due paia di scarpe liberiane congelate
Sì, l'angolo della bara coperta
Spuntano dai boschi miserabili.
...I ragazzi sono entrambi con l'uomo morto
Ci siamo seduti lì, senza osare piangere..."

Savraska arranca a testa bassa. Si fermò, alzò la testa e il cane ululò. Non solo gli animali, ma, a quanto pare, la natura stessa sperimenta il loro dolore con le persone. Il freddo sentito nella natura, i colori tristi del crepuscolo invernale, la gamma sobria dei toni grigio-giallo-marrone sottolineano la solitudine e la dura tragedia della famiglia contadina.

Non avendo ancora finito di dipingere "Seeing Off a Dead Man", Perov ne concepì un altro: mostrare solo i bambini, i figli degli artigiani, i bambini della strada di Mosca.

Perov immaginava una strada invernale e bufera di neve, come se fosse recintata dalle persone, dal trambusto della strada da un cupo muro del monastero. Lungo il muro, in fondo alla strada, tre bambini trasportano su una slitta un enorme barile d'acqua ghiacciata. Due ragazzi e una ragazza sono esausti, il vento strappa i loro vestiti bucati, e loro continuano a tirare e tirare la slitta, la botte sta per scivolare giù dalla slitta ghiacciata, ma qualche passante a caso ha afferrato la botte da dietro ed è aiutandolo a trasportarlo. È impossibile guardare questi volti emaciati di bambini senza compassione, vedere questi occhi pieni di amarezza, sofferenza e tormento. I colori aspri del paesaggio invernale accrescono l'impressione cupa dell'immagine.

Perov dipinse rapidamente i due bambini estremi, ma per molto tempo non riuscì a trovare il “ragazzo radice”, il ragazzo al centro della “Troika”. Un giorno, alla Tverskaya Zastava, vide dei pedoni stanchi: una vecchia e un ragazzo. L'artista rimase stupito di quanto il ragazzo si adattasse bene al suo tipo per il suo dipinto. Perov ebbe difficoltà a convincere la vecchia madre a permettergli di dipingere suo figlio; aveva ancora paura che fosse un grande peccato. Dopo molta persuasione, lei accettò. Il ragazzo sedeva in silenzio; Perov scrisse con passione e rapidità, e la vecchia, che a un esame più attento si rivelò molto più giovane, raccontò tranquillamente di come aveva seppellito suo marito e i suoi figli e di come era rimasta con solo il suo unico figlio Vasenka, la sua unica gioia. L'immagine è stata dipinta.

"Troika" è stata successivamente acquistata da P.M. Tretyakov. Un giorno una vecchia venne nell'appartamento dell'artista. Non la riconosceva, gli ricordava se stessa e non riusciva a calmarsi per molto tempo - continuava a piangere. Poi ha detto che suo figlio era morto, lei, dopo averlo seppellito, ha venduto tutto, ha raccolto dei soldi e poi è venuta a comprare un dipinto dove "suo figlio era stato cancellato". Perov ha spiegato che il dipinto non gli apparteneva più e lo ha portato alla Galleria Tretyakov. Si guardò intorno con il suo sguardo mite per la stanza e si avvicinò rapidamente all'immagine in cui è raffigurata la sua cara Vasya. "Sei mio padre! Sei mio caro, quello è il tuo dente mancante!" - e con queste parole, come interrotta, cadde a terra. La madre trascorreva molto tempo vicino al dipinto di Perov, nessuno la disturbava e solo l'inserviente la guardava con gli occhi pieni di lacrime. "Un mare di parole, ma un fiume di dolore, un fiume di dolore senza fondo!"

Perov è stato sempre e ovunque in grado di vedere questo dolore umano senza fondo e lo ha visto con il suo cuore grande e generoso.

In questo dipinto, l'artista solleva una delle questioni più urgenti nella vita sociale della Russia negli anni '60: la difficile situazione delle donne.

Il dipinto raffigura la prima conoscenza di una famiglia di mercanti con una governante venuta a lavorare. Una giovane ragazza, con gli occhi bassi, sta in mezzo alla stanza e tira fuori dalla borsa una lettera di raccomandazione. La famiglia mercantile la guarda a bruciapelo. Il padrone di casa sta di fronte con un’espressione muta e esamina sfacciatamente il “prodotto”. I membri della famiglia affollati dietro di lui guardano e valutano il nuovo arrivato ciascuno a modo suo. Anche i servi curiosi guardano la governante, ma il loro atteggiamento nei suoi confronti è diverso, non quello di un padrone. La ragazza stessa è sola al centro della stanza. Il suo abito rigoroso e modesto contrasta con l'arredamento sgargiante della stanza. Sarà dura per la povera ragazza di questa famiglia ben nutrita ma senz'anima.

Alcuni anni dopo il dipinto “Seeing Off a Dead Man”, Perov scrisse “L’ultima taverna all’avamposto”. Tutto come se fosse immerso nella cupa oscurità nebbiosa dell'avvicinarsi della sera invernale, fa un'impressione irresistibile: in lontananza c'è una striscia di nebbia rosso-giallastra, luci rossastre brillano debolmente alle finestre e all'avamposto ci sono pilastri con aquile bicipite e una strada accidentata e coperta di neve che si estende da qualche parte in lontananza. All'ingresso della taverna "Separazione", due cavalli attaccati ai tronchi contadini stanno sconsolati. Qui, nell'ultimo avamposto vicino alla taverna, una donna russa solitaria siede su una slitta, avvolta in una sciarpa, e pensa al suo pensiero amaro. Doveva essere rimasta seduta ad aspettare suo marito per molte ore, aspettandolo con rassegnazione, pazienza, forse anche dispiaciuta per lui. Poi, ubriaco, lo porterà a casa e con altrettanta rassegnazione sopporterà le sue percosse, resterà in silenzio e lavorerà, senza raddrizzare la schiena, fino alla morte.

"...Tu sei una parte! -La parte della donna russa!
Quasi più difficile da trovare!
Non c'è da stupirsi che tu appassisca prima del tempo,
Tribù russa onnicomprensiva
Madre sofferente!"

Un'immagine piuttosto piccola. È scritto in modo superbo, con severa semplicità, senza dettagli inutili. Un uomo è seduto a un tavolo di legno, coperto da una specie di straccio rosa sbiadito al posto della tovaglia. Sul tavolo c'è un bicchiere di vino non finito, una bottiglia e un tappo. C'è una chitarra nelle mani di un uomo; pizzica le corde. Chi è lui, quest'uomo brutto e curvo con gli occhi così tristi, tristi?

Tra i ritratti dipinti da Perov, spicca soprattutto il ritratto dello scrittore A.N. Ostrovsky. Perov amava le opere di Ostrovsky, le guardava spesso al Teatro Maly e visitava lo stesso Ostrovsky, che conosceva bene. E lo ha dipinto come era abituato a vederlo a casa: con un vecchio cappotto di pelle di pecora di scoiattolo. Si siede su una sedia, inclinandosi leggermente in avanti, e guarda il pubblico con occhi intelligenti e gentili.

I cacciatori si sistemarono per riposarsi ai margini della foresta. Ce ne sono tre. Uno di loro, apparentemente un vecchio proprietario terriero, racconta le sue fantastiche avventure di caccia; il cacciatore più giovane ascolta con impazienza la sua storia, si è persino dimenticato di accendere la sigaretta preparata; al centro, un cocchiere contadino si gratta l'orecchio incredulo: sa benissimo cosa sono queste storie di caccia! Nelle vicinanze, a terra, c'è una pistola, una rete da caccia, selvaggina morta.

Descrizione del dipinto di Perov “L’ultima taverna all’avamposto”

Quest'opera è considerata una delle migliori di Perov, scritta nel 1868.
Secondo molti critici, questa immagine ha una trama semplice.
Guardando la foto, ho visto la periferia della città.
L'artista ha raffigurato la stagione invernale, il dipinto raffigura la sera.
In lontananza ho visto il tramonto, e i raggi del sole praticamente non illuminano più la strada, e gli abitanti della città avevano già acceso la luce nelle loro case, che vediamo dalle finestre.

L'artista ha dipinto una strada ricoperta di neve e due slitte trainate da cavalli; su una delle slitte raffigurate è seduta una ragazza.
Mi sembrava che la ragazza avesse freddo e fosse vestita male.
Sullo sfondo del quadro l'artista ha dipinto un avamposto, o meglio i suoi obelischi.
Secondo me, l'autore ha prestato molta attenzione al tramonto nel suo lavoro.
Perov ha cercato con molta attenzione di disegnare e trasmetterci il tramonto, utilizzando colori di diversi colori, dall'azzurro al giallo chiaro.
Se guardi l'immagine, generalmente puoi notare che è realizzata in colori scuri.

Guardando questa foto provi involontariamente un sentimento di malinconia.
Secondo me, l'artista ha cercato di attirare la nostra attenzione con la figura di una ragazza congelata e mal vestita su una slitta, è la personificazione dei contadini.
Secondo gli storici, la strada che si allontana non simboleggia altro che un futuro sconosciuto, con la speranza di un futuro luminoso.

Mi piacciono i dipinti di questo artista.
Secondo me sta cercando di avvicinare le sue opere alla visione reale, ma guardando questa foto diventa triste.
Questa immagine lascia un'impressione duratura e ti fa riflettere molto.
Ad esempio, che abbiamo smesso di apprezzare ciò che abbiamo e inseguiamo sempre più status e cose false.
Telefoni e computer sono diventati per noi più importanti delle persone che ci circondano.
Abbiamo iniziato a trascurare ciò che abbiamo e a non prestare attenzione alle persone che abbiamo offeso accidentalmente.

L'ultima taverna all'avamposto. 1868 Olio su tela 51,1 x 65,8 cm Galleria Statale Tretyakov,

V. G. Perov con grande abilità crea opere che toccano temi profondamente drammatici, persino tragici. Il dipinto "" è l'opera più perfetta in termini di immagini artistiche e meriti pittorici nel patrimonio creativo di Perov. Una strada invernale, punteggiata di pattini da slitta, si dirige verso l'orizzonte. Lungo la strada ci sono piccole case di legno in periferia. In lontananza si vedono i pilastri delle porte della città con aquile bicipiti. Alla porta dell'ultimo uno, all'avamposto della taverna, due squadre aspettano i loro padroni. A quanto pare sono qui da molto tempo. Nelle slitte siede, avvolta in una sciarpa contro il vento freddo, una figura femminile solitaria, lei è in aspettativa paziente e sottomessa. In "L'ultima taverna all'avamposto" c'è una sensazione di dolorosa malinconia e dolore per il destino senza gioia dei contadini, che conduce alla taverna alla ricerca dell'unico oblio. Esternamente, un'immagine semplice ha una grande drammaticità tensione. Neve grigio-bluastra, case brutte e scure con luci giallo-rossastre di finestre cieche, all'orizzonte, dietro di loro, le sagome nere degli edifici dell'avamposto cittadino evocano una sensazione di ansia. L'intero quadro, dipinto in un unico tonalità, trasmette una sensazione di solitudine e freddo. Se in primo piano tra i colori freddi ci sono toni caldi, poi verso l'orizzonte diventano sempre più freddi. Ciò trasmette anche la sensazione del crepuscolo che cade sulla città. Un vento gelido che spazza l'ampia strada copre di neve le slitte ferme e le finestre delle case e trafigge fino alle ossa la contadina che aspetta sulla slitta. L'emotività del paesaggio rivela il contenuto del dipinto: la tragica rovina dei contadini russi. Il rafforzamento del ruolo emotivo del paesaggio in generale diventa caratteristico della letteratura e della pittura russa di questo periodo. Per Perov, il paesaggio emotivo è diventato un mezzo per rivelare le caratteristiche psicologiche dei personaggi e degli eventi.
N. F. LYAPUNOVA V. G. Perov (M., Arte, 1968)